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viernes, 26 de agosto de 2011

Pop Art, Fotorrealismo y el HiperRealismo....Un Arte iniciado en el siglo XX ....hasta Hoy


Es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.

El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.

Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".


El Pop Art se divide en cuatro fases

La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
“Just what is make today´s home so different, so appealing”
 se considera como la primera obra del Pop Art.

De Richard Hamilton que fue el mas destacado artista del llamado independent group fue presentada en una exposicion ue llevaba el significativo nombre de  “esto es la mañana” desarrollada en la Whitechapen art galeri de Londres en 1956.  en el lienzo se pueden ver el esquema delos princiales objetos ue inspirarian a los artistas futuros. Es tambien mas que significativo que aparezca en el centro de la imagen , como vemos , la palabra “pop”
El pop art se enfrento con algunas dificultades a la hora de ganar la consideración de la critica. Si fue en estados unidos donde, de forma clara, fue desarrollandose  ganando espacion en los trabajos de los nuevos jóvenes creativos pero tambien fue el pais donde gano los primeros detractores al considerar que el art pop estaba echando por tierra todo lo que habia ganado el Expresionismo Abstracto, la primera corriente artistica que en los años 50 habia sido considerada como la corriente o estilo propiamente norteamericano que lograba traspasar las fronteras. 

Pero lejos  de agravios comparativos, el Pop Art se impuso como corriente artistica aceptada por los criticos y el publico.

Ademas de Hamilton, Jasper Johns, alrededor de 1956 comenzo a elaborar obras basadas en objetos corrientes tales como banderas, dianas, mapas de EEUU o números.

Tracer
de Rober t  Rauschenberg

Robert Rauschenberg, uno de los primeros artistas pop, gano el premio de la bienal de Venecia convirtiendose en una de los precursores de esta corriente.  Su obra oscila entre el expresionismo Abstracto y en lo que se ha venido en llamar neodadaismo. Desde 1955 llevo a la practica sus “pinturas combinadas” consistentes en cuadros pintados sobre lienzos en los que introducia fotografias. Uno de los ejemplos es la obra “Tracer” 


Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.
Andy Warhol el personaje mas mediatico y conocido de los artistas pop comenzo realizando trabajos publicitarios, aunque pronto con sus series sobre imágenes de objetos de consumo Coca-Cola, sopas Campbel,  imágenes de iconos de cine o la vida social, Marilyn Monroe, Elvis o Jacqueline Kennedy, le hicieron destacar en esta corriente. Después vino la trascendencia mediatica que le catapulto hasta llegar a ser un icono mas, tan famoso desde el punto de vista sociologico como artistico.





Roy Lichtenstein
La mayoría de sus obras nos recuerdan a viñetas de cómics, ya que solía colorearlas mediante puntos. En una conversación declaró : 
<< A los cómics les debo los elementos de mi estilo y no los temas >>.

Sus cuadros pretenden objetivar emociones y actitudes.


En cierta ocasión dijo que es propenso a elegir motivos de cómic muy típicos, que no expresan ninguna idea única en su contexto








Tom Wesselmann

Tom Wesselmann (nacido en 1931) es conocido como un artista pop. Pop fue un movimiento de la década de 1960, en que los artistas adoptaron y adaptaron elementos de la cultura popular (de ahí el nombre de "pop") en sus obras de arte. La cultura del consumo, la producción en masa, y la publicidad fueron todas las fuentes de inspiración, los artistas trataron de hacer que la gente a mirar el mundo que les rodea, prestando atención a los objetos cotidianos que normalmente no se dieran cuenta.

Muchos críticos consideraron que la cultura popular no era un tema apropiado para el arte, que de alguna manera debe estar por encima de la vida cotidiana. Otras personas, especialmente el público, disfrutó de la forma en que el arte los artistas pop mezclado y la vida.
Wesselmann creado una serie de naturalezas muertas (obras de arte que representan a un grupo de objetos inanimados) en la década de 1960. El número 20 en la serie (arriba) es ya se ha explicado aquí. El lado izquierdo de la obra fue creada con los elementos funcionales que recoge, se coloca en un gabinete real por encima de un fregadero real de la luz puede ser encendido o apagado y el gabinete abierto o cerrado (ver los dos transparencias). A la derecha están las representaciones bidimensionales de diferentes tipos de comida y bebida. Anterior es una reproducción de una pintura del artista holandés Piet (Peet) Mondrian (de Luna Dree-on) (1872-1944), que utiliza los elementos del arte en sus formas más puras líneas rectas, ángulos rectos, colores primarios (rojo, amarillo , azul) en un intento de representar a una sociedad utópica futura. Wesselmann menudo se incluyen reproducciones de obras de otros artistas en sus bodegones, en parte para mostrar que el arte una vez tan lejos de la vida cotidiana se había unido al mundo comercial.




La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
Mientras que la primera fase del Pop Art inglés llevó al cuadro las imágenes prefabricadas de los medios de masas, la segunda fase fue el resultado de la percepción directa de un medio ambiente modificado y su acción sobre la personalidad.El campo de acción del Pop Art inglés aumentó rápidamente, tanto en su extensión (Cambrige University) como entre la joven generación. El americano R. B. Kitaj llegó a Londres con una beca en 1958 y se estableció allí. Gracias a él se debió en gran parte la fuerte reacción del Pop Art inglés ante las imágenes americanas y los elementos del temprano Pop Art americano. Se desarrolló una tercera fase del Pop Art en Inglaterra que se presentó por primera vez al público en 1960 con la exposición "Young Contemporaries".
La sexualidad como motivo dominante de una nueva época es el tema tratado por Allen Jones en cuadros y esculturas que critican al ídolo de la belleza femenina covertido en algo superficial. Las escenas llaman la atención por su erotismo eufórico y vacío con rasgos sadistas. El rasgo esencial es la contraposición de los colores complementarios rojo y verde.


Para Allen Jones los nuevos dioses son los pósters, en las esculturas de Paolozzi de los años sesenta son las máquinas, los muebles gastados que parecen juguetes gigantescos o robots. Peter Phillips, Patrick Caulfield y Joe Tilson son los representantes de la tercera y última fase del Pop Art inglés; en sus cuadros tratan el lenguaje de los medios de comunicación de una forma decidida, teórica e intelectual.




El Pop Art en Inglaterra es un arte sobre el arte y los estilos. Se presentan dos trabajos de la última generación pop en Inglaterra que vuelve a recurrir a los instrumentos pictóricos convencionales. En él participaron varios artistas, familiares y amigos, sus aportaciones parecen "objects trouvés", objetos ordinarios encontrados al azar.
Se encuentran: Peter Blake, Cliver Barker, Bob Freeman, Harnold Cohen.
El Pop Art abandona el desarrollo tradiconal del arte y toma el camino del autoanálisis dentro del presente trivial percibido de una forma consciente. 
El Arte Pop en España
España recibió igualmente las influencias pop, aunque no se puede hablar de que hubiera un movimiento unitario. Adquirió un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país.
Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.
Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo.
Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense, sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación y la utilización de tintas planas.
Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en una larga serie de viñeta interrumpida.¡América, América!.
Incorporan también imágenes muy conocidas para sociedad española como el periódico Marca o los cigarrillos Ideales

Antonio de Felipe
Pintor español, uno de los representantes actuales del Pop art. Lleva quince años de carrera y ha logrado reimponer este movimiento artístico.
Nació en Valencia en el año 1965, y se licenció en la Facultad de Bellas Artes de esta ciudad por la década del ´80. Es un artista multidisciplinario que no sólo se dedicó a la pintura o a la escultura, sino que también incursionó en distintos campos, como por ejemplo: colaboró con Pedro Almodóvar en la película “Carne Trémula”, diseñó cortinas para Telemadrid, creó una vajilla para la firma Santa Clara; y colaboró con importantes publicaciones como ByN Dominical (revista dominical del diario ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, Elle y la revista Rolling Stone, entre otras.
Se destaca en el arte Pop, rindiendo homenaje al mundo de la publicidad, del cine o de la pintura barroca española. En su obra aparecen representaciones de los objetos más cotidianos, los productos de gran consumo y los iconos de la cultura de masas. Tampoco se olvida de hacer referencia a los grandes pintores clásicos: Velázquez -al que dedicó toda una serie en sus comienzos-, Munch -reinventa El grito sustituyendo al personaje principal por el rey de los monos- o Picasso -en cuyas Señoritas de Avinyò inserta a los mitos más sensuales del Hollywood clásico-.



Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.


Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".





Consiste en tomar una fotografía utilizar ésta fotografía como base para hacer una pintura, lo más parecido y realista a la fotografía.
Todas las pinturas que aquí muestro fueron hechas con pintura al oleo, que si nadie se entera podrían pasar por fotografías.
El fotorrealismo es un género dentro de la pintura que se basa en hacer un cuadro a partir de una fotografía, considerada una variante del hiperrealismo.
El fotorrealismo evolucionó a partir del Pop Art y como contrapeso al Expresionismo abstracto y al minimalismo, a finales de los años sesenta y principios de los setenta en los Estados Unidos
Situacion del arte en este tiempo:


Enviroment.−

Obra constituida por elementos cualesquiera reunidos, dispuestos en un espacio que puede recorrerse. Surge de la búsqueda de nuevos medios para superarse. Los más famosos instaladores son el artista pop Edward Kienholz, Kudo, Segal...
También existe el happening, en el que espacio y tiempo están integrados y donde el espectador se convierte en elemento esencial de una obra en vías de realización , aleatoria y efímera. Las hay habitables.

El environment surge en Estados Unidos, a principio de los años cincuenta y en torno al compositor John Cage y la tradición dadaísta -no hay que olvidar el papel de Duchamp en Nueva York-, Se empieza a hacer visible unas orientaciones que desembocarán en una nueva forma de práctica artística: el Environment y el Happening. En las definiciones de Kaprow: "Environment se refiere a una forma de arte que llena una estancia (o un espacio exterior) rodeando al visitante e incorporando toda clase de materiales, incluyendo luces, sonidos y color." Frente a la civilización tecnocrática, el Environment y el Happening plantean una valoración del ritual y de la magia, rompen con las limitaciones de los géneros artísticos establecidos, y proponen una relación directa con el público, un arte de ideas y de acción, en lugar de la producción de objetos. Ello supone, asimismo, un rechazo de la mercantilización, de la propiedad privada, del valor comercial del objeto artístico. Se trata de creaciones efímeras de las que se hace difícil seguir la historia, pues solo quedan textos, descripciones o alguna imagen. El desarrollo posterior de la Perfomance, los Events, el Body Art, y algunas manifestaciones del Arte Conceptual, derivan de la línea en que se situaban los Environments y los Happenings. Del círculo de John Cage surgieron también los pintores Robert Rauschenberg y Jasper Johns, que fueron un anticipo del Pop-Art


El Enviroment está presente en el arte video, pop−art y arte cinético. Se podría decir que dentro del Enviroment está el land−art :

moda de la década de los años 60 que buscaba mezclar arte con el ingenio de la naturaleza. Estas producciones eran concebidas para ser expuestas en el exterior, fuera de un museo o galería, como una forma de arte ecológico.


consiste en intervenir en un lugar y modificarlo, como el búlgaro Christo, que una vez cubrió una islas de plástico rosa, y otra vez las cubrió con paraguas amarillos.
Con intencion A o B a esto tambien le podemos llamar intervencion humana en la naturaleza....hace unos años en Meira, el autor de esta “obra” trató de hacer la competencia a los comuneros, que hace unos tres años ya intervinieron en la zona para dotarla de bancos e indicar las rutas que permitan a los visitantes contemplar los petroglifos o las ruinas de la torre medieval
−Arte cinético.−
Forma de arte surgida de la abstracción y basada en el carácter cambiante de la obra, su movimiento aparente o real. Las primeras investigaciones sobre este arte se realizaron a principios del s.XX, pero el arte cinético propiamente dicho comenzó en los 50. Una parte importante de este arte se apoya en el movimiento real (no todo son efectos ópticos) provocado por un motor u otro sistema. El fin del arte cinético es unir el arte con la ciencia y la tecnología. 
Tigres de Víctor Vasarely
"El calificativo cinético fue empleado por primera vez en el Manifiesto realista de Gabo y Pevsner en 1920. Más tarde, Moholy-Nagy y Kemeny utilizaron el término dinámico para referirse,... a los sistemas en movimiento. Posteriormente las obras de Calder fueron definidas por Duchamp como móviles, ... A partir de los años sesenta la expresión sirve para definir ciertas tendencias artísticas como el Arte cinético, consagradas ya en los últimos años, desde 1966...

Imagen: Obra de Matilde Pérez
El término cinético -del griego kinesis, movimiento- se refiere a aquellas realizaciones cuyo principio básico es el movimiento. Esta dinamicidad, virtual o real, mecánica, óptica o ambiental, puede ser prevista por el artista o bien provocada de manera incontrolada y origina la forma plástica de las realizaciones cinéticas. El cinetismo introduce el valor espacio-temporal en el núcleo del arte.
El Arte Cinético puede presentar dos modalidades: la del movimiento espacial, denominado cinetismo, y la lumínica, espacial o no, llamada luminismo. Esta última tendencia surgió a finales de los años cincuenta alcanzando su máxima notoriedad ... en París en 1967. Es característico de este movimiento su progresivo abandono de los materiales y soportes convencionales de la pintura y la escultura, y su aproximación a los modelos industriales y científicos, así como el uso de sistemas operativos. (...)

−Op.art.−
Arte óptico, tendencia del arte cinético, también llamado cinemismo virtual. Son unas creaciones bidimensionales(pinturas y relieves) en las que el efecto óptico depende del juego de las estructuras y colores,así como de las transparencias, del reflejo, de la superposición de tramas y, sobre todo, del movimiento del espectador con relación a la obra o incluso a su intervención en ella(obras transformables). Va unido al arte cinético.
Es unmovimiento pictóricoque surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. 
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.

FOTORREALISMO


Es un género cultivado sobre todo por pintores. La palabra Photorealism (Fotorrealismo) fue acuñada por Louis K. Meisel en 1968 y apareció impresa por vez primera en 1970 en un catálogo del Museo Whitney para la exposición «Twenty-two Realists».

Es un tipo de pintura que no puede existir sin la fotografía. Los fotorrealistas usan una cámara y la fotografía para reunir información y luego transfieren al lienzo esas imágenes (en algunas ocasiones por medios semimecánicos). El pintor tiene habilidad técnica suficiente para hacer que el resultado final parezca fotográfico.
Dentro de la primera generación de artistas estadounidenses fotorrealistas se encuentran pintores como:

Richard Estes

Richard Estes (nacido el 14 de mayo de 1932 en Kewanee, Illinois) es un pintor conocido por sus pinturas fotorrealistas.

Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.

Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús.

Estes, también reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta, con artistas como Malcom Morley, Chuck Close y Duane Hanson. 
Las obras de Richard Estes plasman imágenes de rascacielos, escaparates, automóviles y gente en movimiento por la calles neoyorquinas, en un recorrido artístico que comienzó en los años sesenta y llega hasta la actualidad




Autobús de Broadway en la calle Liberry. 1996
Vinelhaven Maine, 1997
People’s Flowers, 1971

En los óleos del artista norteamericano también hubo espacio para otras ciudades como una espectacular panorámica de Barcelona desde la Sagrada Familia, de 1988, y una vista del puente romano de Córdoba, de 1998,  París, Venecia, Chicago y San Francisco... 


Panoramica de Barcelona desde la S. Familia

Richard Estes, en definitiva,  es uno de los fundadores de la escuela de la foto-realismo, también conocido como super o hiper-realismo. Su habilidad es impresionante. Nació en Kewanee, Illinois, estudió arte en Chicago, pero se estableció en Nueva York, una ciudad de la que parece tener un gran cariño, para muchas de sus pinturas son el reflejo de que - literalmente reflexiones también en algunos casos. cuadros de Estes se concentran en los aspectos del paisaje urbano, a veces poco pobladas, en ocasiones con algunas cifras involucradas. Ellos nos muestran de Nueva York y otras ciudades, en un ambiente de calma casi surrealista, teniendo al espectador de un realismo extremo de la pintura en algo completamente distinto, si el espectador fuera a detenerse y pensar en ello. pinturas de Richard Estes se basan en sus propias fotografías, copias, aunque no exacta. Él toma varios disparos y los combina para producir algo agradable y más representativo.

Chuck Close

La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad de Washington en Seattle. Se graduó (MFA) por la Universidad de Yale en 1964. Estuvo en Europa con una beca del Programa Fulbright, regresando a EE.UU. donde trabajó como profesor de arte en la Universidad de Massachusetts.
En 1969 su trabajo fue incluido en el Whitney Biennial. En 1970 realizó su primera exposición individual. Su trabajo se expuso por primera vez en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1973.



En 1988, Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte. Se sintió enfermo antes, dio su conferencia, y después acudió con dificultad a un hospital en la calle de enfrente. Pocas horas después era un parapléjico.
Close siguió pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano.

En Europa el movimiento está representado por el suizo Franz Gertsch  (Franz Gertsch nacido el 8 de marzo de 1930 en Möringen, Suiza) es un pintor suizo conocido por sus retratos de gran formato fotorrealistas .Entre 1947 y 1952 estudió con Max von Mühlenen y Hans Schwarzenbach en Berna. En 1972 participó en la documenta 5 de Kassel. Se encuendra en el fotorrealismo).
Marina maquillando a Lucianno

Viendo este cuadro de Franz Gertsch, el pintor suizo fotorrealista, uno casi espera escuchar el solo de saxofón que sonaba - suena - al final de “Walk on the wild side”, la canción amarga dedicada por Lou Reeda los travestis que él conoció en “El Dom”, el club de la "Fábrica Warhol" o, tal vez, la voz de la asexuadaPatti Smith - a la que también retrató Gertsch - y su desgarrada versión de Hey Joe”. Uno percibe, ve, el equívoco mundo de la androginia, del quien es quien y el cual de los dos es él o ella.


























Fotorrealismo en España

El español Juan Francisco Casas (En el caso de Juan Francisco Casas, su obra se centra en el realismo en apariencia donde magnifica fotografías en donde momentos de la vida se juntan con la picardía y el humor.) Uno de los fotorealistas españoles más destacados es Juan Francisco Casas, el cual eleva la complejidad del hiperrealismo, ya de por sí impactante, añadiéndo a sus dibujos la originalidad del bolígrafo bic azul.

Actualmente el Fotorrealismo se ha extendido a niveles de diseño a partir de graficos de ordenador siendo la aplicación artísca de gráficos vectoriales bidimensionales Adobe Illustrator® o aplicaciones de generacion 3D las utilizadas para la generación fotorrealista sino lienzos fotorrealistas que ha creado el pintor español Antonio Carlos Guzmán Capel.



Bueno, no son fotografías, sino lienzos fotorrealistas que ha creado el pintor español Antonio Carlos Guzmán Capel. 
Desde 1961 reside en la ciudad de Palencia. Artista autodidacta, desde niño demostró sus cualidades innatas para el dibujo y la pintura. Realizó su primera exposición cuando contaba sólo once años de edad. Sucesivamente, cada año celebró una nueva exposición. A los catorce años de edad expuso su obra en Suiza, allí fue considerado por la crítica local como genio de la pintura, pues según manifestó, no se conocía en aquel momento a ningún artista dotado de esa facultad para realizar unas obras de tal calidad a esa edad tan temprana.
  




Mientras los pintores fotorrealistas tienden a imitar las imágenes fotográficas y conscientemente omitir detalles, el pintor hiperreal es más literal, con la incorporación de las limitaciones de la fotografía, como pueden ser la profundidad de campo, la perspectiva y el enfoque. A causa de que el arte hiperreal crea una falsa realidad, se requiere un alto nivel de habilidad.
Como resultado del fotorrealismo, hiperrealismo es una escuela relativamente nueva de la pintura que crea la ilusión de que en realidad estás mirando una foto. Con la nueva tecnología de cámaras y equipos digitales, los artistas han sido capaces de ser mucho más orientados a la precisión. Mientras que los pintores fotorrealistas tienden a imitar las imágenes fotográficas y conscientemente omitir detalles, el pintor hiperreal es más literal, la incorporación de las limitaciones fotografía, como la profundidad de campo, la perspectiva y el enfoque. Porque el arte hiperreal crea una falsa realidad, se requiere un alto nivel de habilidad.


Cuando allá por el XIX nació la fotografía, la gente se quedó asombrada por la cantidad de detallesque el nuevo invento era capaz de captar y la fidelidad con la que lo hacía. Esto llevo en muchas ocasiones a enfrentar a pintores con fotógrafos, pues en algunos círculos existía la creencia de la superioridad de la fotografía sobre la pintura.
Entorno a la década de los 60 irrumpió en el panorama artístico estadounidense el realismo pictórico, el hiperrealismo, como una reacción a los movimienos artísticos abstractos y minimalistas. Parece que los pintores hiperrealistas aceptaron en cierto modo la premisa de la superioridad de la fotografía sobre la pintura, pues se centraron en representar la cruda realidad, eligiendo como vínculo entre el artista y la realidad el objetivo fotográfico.


GENESIS

A finales de los años sesenta en Estados Unidos aparece de manera escandalosa, como una estrella de Hollywood, arropado por todos los medios del sistema (marchantes, galerías…) el hiperrealismo, para desaparecer del mismo modo y con la misma velocidad, tras consagrarse en 1970 en el museo Withney con la exposición Veintidós realistas (aunque en los últimos años parece que ataca de nuevo). Enlazando con esa tradición realista, que nunca se había perdido del todo -Hopper es un buen ejemplo-, toman como punto de partida la fotografía pero no abandonan los pinceles. Su labor consiste en llevar a cuadros de gran formato fotografías de cosas banales, de la vida cotidiana en las ciudades -escaparates, calles, casas, coches y gente moderna, que hoy nos resulta terriblemente pasada de moda.

Estas fotos en color a gran escala, de aspecto pulido y brillante, producen una imagen fría, neutra y superficial. La banalización del pop se ha llevado a sus últimas consecuencias.Richard Estes (1936) pinta escaparates brillantes y llenos de reflejos, sometidos a una geometría estricta y precisa, en un trompe l’oeil moderno; los coches son el tema de Don Edy (1944) y John Salt, para el primero nuevos y relucientes, dispuestos para empezar el rodaje de la película, mientras al segundo sólo le interesan las carrocerías como ruinas.David Parrish (1939) prefiere las motos -los nuevos caballos del cowboy americano-, otro símbolo todavía de toda una generación y Richard MacLean vuelve a los ranchos que ya son de luna park. Chuck Close (1940) pasa fotos de fotomatón, hechas para carnet de identidad, a un formato monumental -dos y tres metros-, cambiando por completo el sentido del retrato, que pierde su poder de identificación y de individualización para convertirse en un paisaje en blanco y negro.Pero la búsqueda del hiperrealismo -de ir más allá del realismo- lleva a la búsqueda del doble y el doble es más perfecto en tres dimensiones. La escultura hiperrealista recurre a un método viejo y recientemente utilizado por Segal: moldes del cuerpo del modelo en fibra de vidrio y resina de poliester, a los que estos añaden pelo y ropas de verdad, como santos de vestir, cumple este deseo de hiperrealidad. John de Andrea (1941) hace desnudos perfectos desde el punto de vista de la reproducción, sin evitar un accidente físico, por poco agradable que sea. Menos complaciente aunque más hiperrealista, si cabe, es Duane Hanson (1925). Hanson no desnuda a las personas -después de todo el desnudo es un modo tradicional de representación en nuestra cultura-, desnuda la sociedad americana y sus Mujeres en el supermercado (gordas, con rulos, zapatillas, el bolsito y el carro de la compra).

Carro de la compra (Duane Hanson)


Son una burla cruel de la mujer americana -occidental-, una crítica al sueño americano y un atentado al buen gusto. Su galería de horrores contemporáneos no perdona a nadie: soldados de Vietnam, homeless de Nueva York o turistas con zapatillas de deporte, sombrero, pantalón corto y guía dispuestos a huir de la vida cotidiana. Todos entramos en alguna categoría de Hanson, como entrábamos en los Rehenes de Dubuffet o los hilillos de Giacometti.


Ambicioso pero leve repaso a los principales representantes del Hiperrealismo
Denis Peterson es un pintor hiperrealista, fue uno de los primeros fotorrealista en salir en Nueva York. Ampliamente reconocido como el pionero y principal arquitecto de Hiperrealismo, Peterson estuvo a la vanguardia del movimiento. Sus meticulosamente detallados paisajes urbanos de Nueva York atraen a propósito tus ojos a los grandes carteles y anuncios. Peterson quería que el peso y la presión de las vallas publicitarias y anuncios sean un comentario sobre la sociedad contemporánea y sus efectos en las personas. Para mí, la forma en que captura la mirada de desesperación en los ojos de persona o actitud es igualmente sorprendente. 

Robert Bechtle es un pintor estadounidense nacido en San Francisco, California. Después de haber vivido toda su vida en esa ciudad, la pinta exquisita. Adepto a la captura de la ordinaria vida de la clase media , sus pinturas simples nos recuerdan lo complicado que es realmente la vida. 

Robert Bechtle se inspira en los alrededores de San Francisco, pintando los vecindarios, los amigos, las familias, las escenas callejeras, y en especial, los automoviles.
Jason de Graaf hace pinturas tan reales. Le gusta tener cierta libertad creativa con su trabajo, no sólo se reproduce fielmente, pero añadiendo en una ilusión de profundidad que no se encuentra en las fotografías. 
Como él dice, "yo no me adhiero estrictamente a la materia de referencia en la mano. Puedo usar mi tema como un trampolín y un medio para explorar mi capacidad como fabricante de imagen. Puedo usar los colores y la composición intuitiva con la intención de imbuir a mis pinturas de emoción, humor y misterio. En todo momento, trato de permanecer abierto a nuevas ideas y sorpresas como la pintura se desarrolla. 
Pinturas de Jason "se refieren a la relación de la luz con superficies reflectantes y transparentes, y su viaje a comprender las cualidades y transmitir su sentido de maravilla e intriga sobre ellos."













Pedro Campos crea imágenes tan cristalinas que es difícil de creer que están hechos por óleo sobre lienzo. Teniendo objetos cotidianos como las latas de Coca-Cola, mármoles y frutas, y transformándolos en interesantes piezas de arte, Pedro es un pintor hiperrealista con un ojo extraordinario para el detalle. 
Pedro Campos, madrileño, restaurador de obras de arte e ilustrador. Perfecta su recreación de ciertos materiales que son particularmente difíciles de representar, como el metal, el plástico, los reflejos en un cristal, las texturas de la fruta.Prodigioso. Un placer para la mirada.

Sus pinturas son casi como fotos que podés encontrar en un Flickr. Es un pintor hiperrealista francés y se lo reconoce por captar la luz y las sombras como se ven en una fotografía. 
"El énfasis, y el cuerpo principal de mi trabajo, lo ha sido siempre de carácter tridimensional, pero en los últimos años, he dado tiempo para desarrollar y explorar nuevos conocimientos, en particular el uso del lápiz en el papel" 



Sarah Graham

Creo que no hace falta decir algo mas que mirar y ver lo increíble que son sus obras, disfruten.
"Con los años, he estado desarrollando un método de pintura específica para crear la ilusión de tridimensionalidad. Estoy muy practica ahora en este método particular de la pintura se ha convertido en la forma más natural para mí acercarse a la creación de una imagen, sin embargo, sigue siendo algo que me desafía todos los días. Todo mi trabajo se inicia con una fotografía, y que es un proceso trabajado en sí mismo. Simplemente porque tiene que ser perfecto, con todos los elementos que requieren tales como el equilibrio, color, drama y una interesante relación entre el sujeto enfocado y el fondo borroso. Una vez satisfecho, voy a imprimir la imagen y ahí es donde los mecánicos la participación de los extremos. Yo siempre digo que la próxima etapa es la parte difícil, dibujar la imagen por el ojo de la foto al lienzo en blanco, lo hago con pintura acrílica amarilla así que los errores pueden ser fácilmente corregido. Foto-realista de los artistas son conocidos por proyectar la imagen en este momento para lograr una precisión absoluta, sin embargo, no sólo me gusta el reto de la ampliación de la imagen a simple vista, que permite a los cambios sutiles que se celebrará, como siempre tratan de tomar el la pintura más allá de los límites de la foto inicial. Yo soy un gran fan de la fotografía como una forma de arte, pero yo seré el primero en admitir que mi fotografía no es mi fuerte, por lo tanto, por el objetivo de mejorarlo al traducir en pintura es la esencia de lo que me motiva de manera creativa. Esto es seguido por una versión a todo color de la imagen en la pintura de acrílico, que si bien pintado muy cerca, de lejos me da una idea clara de cómo la pieza final se verá y me permite hacer frente a la etapa final de la pintura al óleo con más confianza, y me libera de preocuparse por los detalles y la puesta a punto, en lugar de la composición general. Me encanta exagerar prácticamente todos los elementos"



ROB HEFFERAN  
           (Mi favorito...)
Pintor nacido en Manchester en 1968. Desde un principio fue de espíritu libre vagando sin rumbo fijo por intentar encontrar aquello que le hiciera feliz. Él quería hacer una carrera artística y con el paso del tiempo, obtuvo una plaza en la universidad para tener el título de ilustrador, aunque después de un año, empezó a sentirse desilusionado por las limitaciones del curso y decidió ir por libre. Pasó un duro año elaborando un portafolio para demostrar sus habilidades como diseñador e ilustrador, cosa con la que consiguió un mayor número de contratos importantes, que iban desde campañas publicitarias hasta portadas de libros para niños. Con todo este trabajo, pronto encontró aquello con lo que realmente disfrutaba, no dejándose llevar nunca por el éxito. 

Sus pinturas tienen una calidad artística indiscutible, cargadas de detalles en las que juega con luces y sombras creando un ambiente intimista y en donde la mujer adquiere un importante papel, tanto que, en la mayoría de los casos, tiende a confundirse con una fotografía. Puedes encontrar más belleza entrando en su portafolio.
 





DRU BLAIR

Increíble. uno de los mejores del mundo en cuestión de hiperrealismo 

Dru Blair es un artista del aerógrafo de la aviación, cuyas pinturas realistas dramáticamente retratar los temas que más hombre saludar a los triunfos de la tecnología. Sus pinturas de aviones reales se confunden a menudo fotos del avión. Mientras que helicópteros de Dru y pinturas avión se centran principalmente en la aviación de alta tecnología y aviones militares, que también ha sido seleccionada para representar muchas estrellas nuevas Trek cubre, así como temas tan diversos como el conocido ranas toro Budweiser, y numerosas portadas de revistas.

Tica la chica  que no Existe....
“Tica” es una fotografía creada con Photoshop, sacada sólo de la mente del Creador, y hecha, como repito, únicamente a base de herramientas tecnológicas más onocidas como Photoshop.

CÉSAR GALICIA 
Si de arte hiperrealista hablamos, bien vale darse una vuelta por la web de César Galicia, uno de los pintores españoles del momento que han incursionado con una espeluznante capacidad la estética de lo real. 

En su obra parece que la vida misma toma las formas y los colores de lo que ella es en su esencia, pero con la imperceptible y fantasmal huella de un demiurgo que la pinta. 

Este pintor madrileño, primero devenido en aprendiz de abogado, comenzó sus estudios en la escuela de Bellas Artes de de San Fernando de Madrid, para luego cruzar el gran charco; y perfeccionar su técnica en Estados Unidos. 
Hoy es considerado como uno de los artistas que más ha aportado al hiperrealismo americano 
Acerca de su trabajo, Galicia dice “mi verdadera vida se encierra en mi estudio. Allí es donde yo, ajeno al mundo exterior, transformo en formas y colores mis sentimientos; me embriago con esencia de petróleo, trementinas, y otras mezcolanzas“. Y no para menos, ya que cada una de sus piezas, resulta la réplica exacta de un mundo a punto de desfigurarse.
 


Iman Maleki, hiperrealimo iraní

Iman Maleki (Teherán, 1976 - ) es un pintor iraní del hiperrealismo. Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center (ARC). Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas. WIKIPEDIA
Con su maestría en el uso de la luz y los colores, Iman Maleki nos enseña en su obra pictórica otra visión distinta del mundo musulmán, mucho más “serena” y enriquecedora de la cultura iraní y, por tanto, lejos de las controversias políticas o religiosas que a todas horas nos invaden desde los medios de comunicación. Iman Maleki nos demuestra, al ver sus cuadros, que la "emoción" que transmite su arte no entiende de fronteras.


Más información en: www.imanmaleki.com








Alguien dijo "que el realismo y el hiperrealismo son “arte fácil”, que solamente hay que copiar la escena, que no se necesita creatividad para transmitir o expresar sino sólo técnica. Reconozco que sin ser una especialista en arte, que me dejo llevar por las sensaciones que me producen la visión de la obra y que en general me gusta más el arte moderno/contemoráneo por el color cercano a nuestra realidad, las formas y las texturas... pero pienso que muchas veces se esconde detrás del “arte moderno” una falta evidente de técnica que no siempre se suple con la suficiente dosis de creatividad. @

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